On peut percevoir, dans son travail, une tension entre un retour aux origines et une ouverture vers l’avenir. Il nous invite ainsi à imaginer un monde reconstruit, en réactivant des formes anciennes dans le présent. Dans un contexte actuel marqué par la désorientation et les crises climatiques, cela permet de redonner de la force aux idées, gestes et savoir-faire qui survivent par ce biais.

L’exposition pow. r. toc h. au Donjon de Vez

Pour Edgar Sarin, cette exposition est à la fois très construite et, parallèlement, un élément vivant, qui évolue quasiment de façon indépendante. Les œuvres sont positionnées comme s’il cherchait à occuper un espace progressivement. Cette exposition se tient principalement dans la Chapelle, un lieu tout particulier où chaque espace revêt une fonction et une architecture forte. Edgar Sarin va alors exposer ses œuvres comme des façons d’habiter l’espace : parfois de façon bien organisée, et parfois avec des gestes spontanés.

À l’extérieur : une sculpture figée

À l’extérieur des remparts, l’artiste installe Bronze aux amphores (2026). Ces objets anciens, servant autrefois à transporter et stocker des marchandises, servent ici d’inspiration pour une œuvre monumentale. Transformées en bronze, revêtant ainsi un aspect lourd et permanent, ces amphores sont empilées les unes sur les autres. Ces objets, autrefois faits pour être en mouvement, deviennent immobiles. Leur sens et leur présence sont donc complètement altérés et donnent au Donjon de Vez un nouvel élan.

Equilibre et perception dans la Salle Buren

Dans cette salle accueillant les vitraux de Daniel Buren, Edgar Sarin présente deux tableaux : Hildegard von Bingen series (2026). S’inspirant des plafonds étoilés anciens, et des visions mystiques d’Hildegard von Bingen, il fait ainsi apparaître une nouvelle image dans des tableaux anciens, révélant ainsi une nouvelle œuvre dans l’œuvre.

Vous pouvez aussi découvrir dans cette salle Héroïne égyptienne (2026). Cette sculpture, faite à partir d’une sculpture de Maillol joue sur l’équilibre, le rapport entre plein et vide et les changements de perception selon l’angle de vue.

La chapelle est un lieu chargé d’histoire, et cette exposition ajoute de nombreuses significations et une toute nouvelle perspective.

La salle des gardes, un espace de transition

La salle des gardes est un lieu de transition entre l’extérieur et l’intérieur. Elle rappelle une idée simple exprimée par le poète Pierre Albert-Birot : « Le monde bat de l’autre côté de ma porte ». Dans cet espace, Edgar Sarin installe Architecture n°1 – principe flexible (2026).

Il crée ici une structure fonctionnelle : une sorte de tente, pensée pour être déplacée et habitée. Cette tente, faite pour une seule personne, ressemble à un abri minimal, ce que le philosophe Gaston Bachelard appelle « l’absolu du refuge ». Autour, on trouve des objets en bois qui suggèrent une présence humaine. Il ajoute aussi une sculpture de la série Haniwa (2023), inspirée d’objets funéraires japonais placés autour des tombes.

Charpente Eiffel, un lien entre le monde mortel et immortel

Dans cette salle sous les toits, l’artiste installe deux œuvres : un Sarcophage (2025), un Nouveau Monument (2026) inspiré d’un ex-voto gallo-romain. Ces objets ont un point commun : ils servent à faire le lien entre les vivants et les morts, ou entre les humains et les dieux.

Un ventilateur met l’air en mouvement devant ces œuvres, rendant l’air visible et donnant l’impression que l’espace est traversé par quelque chose d’invisible, telle une trace laissée dans le ciel.

Avec ce geste simple, Edgar Sarin insiste sur un moment très fragile, presque imperceptible, que le philosophe Vladimir Jankélévitch appelle le « presque-rien » : quelque chose d’invisible, qu’on ressent sans pouvoir vraiment le définir.

Une logique entre règle et hasard

Dans toute l’exposition, Edgar Sarin alterne entre des gestes simples qui reviennent souvent (empiler, creuser, graver), et des interventions plus imprévisibles. Cela crée un équilibre entre système et spontanéité.

Cette exposition unique n’est pas pensée pour être entièrement expliquée mais pour laisser libre cours à la pensée des visiteurs. Les œuvres existent dans l’espace et le visiteur est libre de circuler, de ressentir, et peu à peu d’habiter le lieu lui-même.

Grâce à cette exposition, Edgar Sarin transforme ce lieu historique en un espace vivant, où les œuvres abordent les thèmes de mémoire, de passage et de présence, un lien entre passé et présent.

Cette exposition est à découvrir jusqu’au 1^er novembre 2026.

Cette année, le Donjon de Vez propose une nouvelle découverte artistique avec une exposition consacrée à Jeanne d’Arc, figure majeure de l’imaginaire collectif, dont les représentations n’ont cessé d’évoluer au fil des siècles. L’exposition explore les multiples visages de Jeanne : héroïne nationale, sainte, guerrière, martyre ou encore symbole politique et spirituel. Dans la chapelle du Donjon, le parcours met en lumière la richesse et la diversité des interprétations de Jeanne d’Arc selon les époques et les médiums.

Une exposition inédite à découvrir du 2 mai au 5 septembre 2026

Au XIXe siècle, dans la salle Buren, éclairée par les deux verrières réalisées par Daniel Buren, sont réunies des sculptures issues de la collection d’un passionné pour qui Jeanne d’Arc demeure « l’homme le plus courageux de France ». En bronze, en marbre, dorée ou en onyx, ces œuvres donnent à voir les nombreuses incarnations de la Pucelle d’Orléans : cavalière, vierge guerrière, sainte ou figure patriotique. Le statuaire du XIXe siècle façonne ainsi une image idéalisée, à la croisée du religieux et du national.

La Savonnette - Robert Couturier

La vingtaine de sculptures de Robert Couturier (1905–2008) présentées au Donjon de Vez propose une rétrospective d’un artiste qui fut à la fois acteur et témoin d’un XXᵉ siècle traversé par les dernières avant-gardes et par de profonds bouleversements plastiques.

Pendant plus de soixante ans, dans le silence de son atelier parisien de la villa Seurat, Couturier a fait du corps humain — celui de la femme surtout — son matériau premier.

Formé au dessin et à la lithographie, il développe un langage sculptural qui naît dans le sillage d’Aristide Maillol, rencontré en 1928, et dont l’influence imprègne ses débuts. Le décès du maître en 1944 correspond à l’affranchissement nécessaire et définitif de Couturier, qui dès lors s’attache à faire de « l’anti-Maillol », en combinant les formes vides et pleines, le visible et l’invisible, l’espace du dedans et celui du dehors, dans la représentation de l’Homme et de la figure humaine, qu’il n’abandonnera jamais.

La transition vers un langage qui lui est propre s’opère lorsqu’il commence à suggérer les formes plutôt que les imposer au regard, tout en conservant un volume plein ; il parle alors de « forme ouverte », où l’air et la lumière circulent librement.

Prenant le contrepied d’une création qui procède généralement par ajout, Couturier fait le choix d’éliminer, retirer, évidér et creuser la matière pour qu’advienne la forme. Cette « anti-sculpture » incarne une tentative de métamorphose du corps : selon l’axe de vision, la perception qu’en a le regardeur mute.

Ce « dessinateur de la sculpture » appréhende frontalement l’espace réel et se joue de l’équilibre des forces en suggérant une forme entre présence et absence. Le regardeur pénètre immédiatement l’œuvre : il se spectateur y participe, en suivant les suggestions qu’elle propose.

L’œuvre de Robert Couturier s’inscrit dans la vie et la poésie du quotidien.

Cette exposition est réalisée avec le soutien de la Galerie Dina Vierny, représentante de la succession de l’artiste.

BIOGRAPHIE

Né en 1905 à Angoulême, Robert Couturier étudie la lithographie à Paris et attire rapidement l’attention d’Aristide Maillol en 1928, devenant son élève et ami. Dans les années 1930, il remporte le Prix Blumenthal et participe à des expositions collectives dans des galeries parisiennes. En 1936, à l’occasion de l’Exposition universelle de 1937, il reçoit la commande du « Jardinier » pour l’esplanade du Trocadéro à Paris, et réalise toutes les sculptures et décorations du Pavillon de l’élégance conçu par Émile Aillaud.

En 1938, il signe le manifeste Rupture avec les groupes Forces Nouvelles et Nouvelle Génération. Ce manifeste prône un retour à l’artisanat traditionnel et aux valeurs artistiques. Leur démarche visait à renouveler la représentation de l’homme, cette esthétique novatrice ayant un impact international.

Capturé pendant la Seconde Guerre mondiale, il parvient à s’évader et devient l’un des membres fondateurs du Salon de Mai en 1943. Après la guerre, en 1946, il est nommé professeur à l’École nationale des Beaux-Arts.

Robert Couturier tient sa première exposition personnelle à Londres en 1947 et participe à deux expositions majeures en 1948–1949 rassemblant les anciennes et nouvelles générations de sculpteurs à Berne et Amsterdam. Il représente la sculpture française aux Biennales de Venise (1950) et de São Paulo (1951) et participe à celles de Sonsbeek (1952) et d’Anvers (1953).

Le Musée Rodin organise sa première rétrospective en 1970, suivie en 1975 par la Monnaie de Paris où une importante collection de ses sculptures, dessins et médailles est présentée.

À l’occasion de son centième anniversaire, la Fondation Dina Vierny – Musée Maillol à Paris lui consacre une rétrospective, et il est nommé Officier des Arts et des Lettres. Il s’éteint le 1er octobre 2008 à l’âge de 103 ans, laissant derrière lui un œuvre composée de plus de 500 sculptures.

Alliant tradition et modernité, Robert Couturier propose une nouvelle interprétation de la figure humaine. Inventeur de la sculpture dite « allusive », il s’affranchit des formes classiques pour apporter un renouveau. La figure féminine constitue principalement sa source d’inspiration. D’un simple trait, il suggère le corps tout en utilisant un langage pluriel de formes étirées, pleines ou creuses.

Ses œuvres, dynamiques, cherchent un dialogue entre la forme et l’espace. Il joue avec les matériaux — plâtre, bronze, pierre — et intègre des objets du quotidien dans ses sculptures. Les œuvres de Robert Couturier établissent un rythme entre forme et matière, un équilibre délicat qui offre une grande liberté d’interprétation.

Robert Couturier, Jeune fille lamelliforme, 1950, bronze, 115 x 45.5 x 70 cm (courtesy Gelrie Dina Vierny © Jean-Louis Losi).

Rovert Couturier dans son atelier, juillet 1997 (Photo © Jean-François Bonhomme)

Robert Couturier, Hommage à Millet, 1994, Bronze, 75.5 x 27.5 x 14.5 cm, (Photo Courtesy Galerie Dina Vierny © Jean-Louis Losi)

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Robert Couturier, Torse concave, 1966, Bronze, 177 x 25 x 28 cm ( Photo Courtesy Galerie Dina Vierny © Jean-Louis Losi)

Aristide Maillol (1861-1944) Vénus sans bras, 1922 (Bronze) Collection particulière

Pendant des siècles, de l'Antiquité à la fin du XIXᵉ siècle, les sculptures féminines ont peuplé les jardins, les églises, les places publiques et les intérieurs. Souvent, leurs corps étaient une allégorie de l'amour et de la guerre pour magnifier l'histoire ou en référence aux temps anciens.

John de Andrea (né en 1941), Katie (Seated), 1998, Collection particulière

À partir du début du XXᵉ siècle, la femme s'est émancipée, s'est affermie, et les artistes ont accompagné cette évolution en transformant sa représentation au gré de leur pensée, des matières nouvelles et de leurs voyages à travers le monde. En outre, l'arrivée successive de la photographie et du cinématographe vont encore faire évoluer les clichés relatifs à la beauté.

Robert Couturier (1905-2009), La Savonnette, 1994 (Bronze), Collection particulière

Si les « Nanas » colorées de Niki de Saint Phalle anticipent les mouvements de libération féministes, les sculptures de vierges dans les églises restent emprisonnées dans un rôle de mère, profondément réducteur. Si Jeff Koons, au travers de ballons en métal rose, témoigne de sa vision de la femme sous le prisme d'une Vénus des temps modernes, Maillol sublime leurs formes et coupe leurs bras en référence certaine à la Vénus de Milo. Enfin, quand Manolo Valdés fait défiler ses Ménines à la fashion-week en écho à celles de Velázquez, John de Andrea, le grand sculpteur américain hyperréaliste des années 70, travaille la carnation comme élément central de l'attention.

Germaine Richier (1902-1959), Diabolo, 1950 (Bronze), Collection particulière

Ainsi, qu'elles soient nues ou drapées ; en maillot de bain ou en aube ; qu'elles soient en bronze, en résine, en polyvinyle ou en plâtre, elles sont toutes, comme l'écrivait Baudelaire : « Belle, ô mortelle, comme un rêve de pierre ».

Visionnaire sur l’écologie, celle qu’on surnommait la Sorcière royale, dans son œuvre, place la valeur de la vie humaine au même niveau que la vie animal. Fascinée par les insectes, et toutes ces vies minuscules qu’elle disséquera et reproduira dans ses gravures, Germaine Richier
annonce la mutation de l’être humain avec la nature. La mythologie de l’artiste, empreinte d’une certaine violence, ses créatures oscillent entre la préhistoire et la science-fiction. Elle crée des personnages transgenre, sans identité, des Humanoïdes aux pattes de sauterelles. Des corps squelettiques où des lambeaux de chair se fossilisent sur les os pour mieux exprimer le passage de la vie à la mort.

« L’escrimeuse », Germaine Richier, bronze, collection privée, 1943. / « L’escrimeuse avec masque », Germaine Richier, bronze, collection privée, 1945.

« L’Homme de la nuit », Germaine Richier, bronze, collection privée, 1954. © Antoine Roynier

« Le couple », Germaine Richier, bronze, collection privée, 1956.

“L’Ouragane”, Germaine Richier, bronze, 179 x 67 x 43 cm, 1949. / “L’Orage”, Germaine Richier, bronze, 197 x 77 x 50 cm, 1947-1948.

“Le diabolo”, Germaine Richier, bronze, collection privée, 1950.

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« Ye Linghan, né en 1985 à Shanghai, est l’un des artistes les plus remarqués de la scène artistique chinoise contemporaine. Il peint des tableaux de grandes dimensions qui s’imposent tout de suite à la vue par leur tourbillon de formes multicolores, à l’intérieur desquelles apparaissent des silhouettes pâles, diaphanes, entrelacées, évoquant sommairement des figures humaines. » - Serge Lemoine

Du 18 au 24 octobre 2022, sur rendez-vous

Infos et rendez-vous : 01 42 99 20 33 – adeturenne@artcurial.com

A la question « L’art peut-il sauver le monde? », l’artiste JR invite les citoyens du monde entier à se rassembler autour d’un message qu’il leur tient à cœur de partager, et à participer à une installation photographique monumentale: Inside Out.

Depuis son lancement en 2011, 400 000 personnes de 138 pays ont déjà contribué à cette œuvre mondiale d’un genre unique, immortalisée en ligne sur www.insideoutproject.net

A l’initiative de la Communauté de Communes, 108 visages d’habitants de 62 communes du Pays de Valois partagent leur attachement à leur territoire au travers d’une installation monumentale déployée sur 4 sites.  Ils ont été sélectionnés par leur maire au titre de l’émotion qu’ils diffusent au sein de leur commune.

Cette installation est la première opération d’un projet de parcours d’art, de graff et d’architecture de plein air qui couvrira, à terme, tout le territoire du Pays de Valois.

Le Donjon de Vez réunit en 2022 de grands noms de l’architecture contemporaine pour sa nouvelle exposition : Kengo Kuma, Odile Decq, les frères Berchiche, Edouard François … et bien d’autres !

Alternant des maquettes et des cabanes d’architectes ou « bijoux », pour reprendre l’expression de Philippe Gravier, partenaire de cette aventure, cette exposition donne à Vez un air futuriste avec ces constructions insolites.

Les maquettes et les cabanes présentées sont de véritables «gestes», à la frontière entre art et architecture : la réduction des proportions engage davantage de créativité et de liberté, et appelle à renouveler la conception de l’habitat. Le style et l’imaginaire personnels de chaque architecte sont déployés et font écho aux préoccupations écologiques contemporaines quant à la rationalisation des matériaux, des moyens et des espaces habitables.

Une quinzaine de créations sont exposées, permettant de jouer avec les échelles et de rêver à des villes futuristes et utopiques. C’est également l’occasion de redécouvrir les cabanes de la collection permanente de Vez : les œuvres de Serge Mansau et de Tadashi Kamawata !

Infos pratiques

• Exposition de sept Maisons d’édition et de neuf maquettes d’architectes
• Du 04 juin au 30 octobre
• Ouvert tous les week-ends du mois de juin
• Ouvert tous le jours du 1er juillet au 16 octobre
• Ouvert les deux derniers week-ends d’octobre

“Tree Huts”, Tadashi Kawamata, 2009. © Athis Hourdry - - Soyez

“Owan”, Kengo Kuma, Maison d’édition Inox, ETFE, aimants, bois de mélèze, 2016.

“Habitat Studio Bulle”, Antti Lovag, Maquette Structure en résine polyuréthane, 2014.

“Yure”, Kengo Kuma, Maison d’édition Bois massif de mélèze et textile, 2015.

“Yourte”, Serge Mansau, verre.

“Le pavillon noir”, Odile Decq, Maison d’édition Acier, aluminium et verre, 2019. © Athis Hourdry - - Soyez

“Fu-An”, Kengo Kuma.

On n’est pas sérieux quand on a 17 ans… Qui nous dit qu’Arthur Rimbaud n’aurait pas échangé ses semelles de vent pour une grosse bleue avec laquelle il aurait remonté la grand rue pour terroriser les bonnes gens de Charleville. La mobylette plus que tout autre objet symbolise, ce no man's land qui sépare l’enfant du jeune homme : l’adolescence, cet âge éphémère où les rêves se brouillent dans la tête. Première mob, premier baisers, premier boutons sur le visage aussi. Qui n’a pas senti l’ivresse de la liberté en accélérant de la main droite ? Si je ne suis pas encore le maître du monde, je suis le roi du quartier lorsque je trimballe un copain sur mon porte bagage et que mon pot d’échappement dessine sur l’asphalte des volutes de fumée.

Que seraient monsieur Hulot ou Rabbi Jacob sans leur Solex, Johnny Hallyday sans sa Paloma ?

Du scooter de Schumacher à la compression de César, en passant par la Dax, Monkey, Caddy, Manhurin, Vespa, Zoomer, les mobylettes sont des stars.

Infos pratiques

Exposition de 25 engins. Scénographie Hubert Legall.

du 1er juillet au 31 octobre 2021

tous les jours de 13h30 à 18h30 du 1er juillet au 19 septembre

tous les weekends de 13h30 à 18h30 du 25 septembre au 31 octobre

ÉVÉNEMENT PRIVÉ. La troisième édition des Rencontres Musicales de Vez (prononcer « Vé ») s’annonce pointue et décalée.

Avec un parcours d’œuvres contemporaines de niveau international, le public pourra déambuler à travers les merveilleuses collections permanentes de Daniel Buren, Sol Lewitt, Lee Ufan, Jean-Pierre Raynaud ou Bernard Venet. Cette année s'ajoute l'exposition temporaire de Lalanne et Makouvia.

LINE UP MUSIQUE :

• ARIELLE DOMBASLE & NICOLAS KER
• AJA
• NAOMI GREENE
• GLOBAL NETWORK
• LUUFA
• ALEX VAN PELT
• OUMOUAMOUA
• TEEERS
• NOWHERE BOY

Lien vers la billeterie : https://dice.fm/event/ba6ag-vez-3-29th-jun-donjon-de-vez-vez-tickets